Je pourrais vous dire que les opéras bel canto ont tendance à avoir des intrigues datées, remplies de récits d’histoire romanesques et d’héroïnes qui deviennent folles à des moments inopportuns. Ou je pourrais vous dire que le bel canto peut être enivrant, et que le simple fait d’essayer de trouver des exemples à jouer pour vous m’a conduit à passer des heures à regarder de vieilles vidéos YouTube, en souriant comme un idiot. Mais je ne suis pas sûr que cela vous aidera non plus. Le bel canto, je m’en rends compte, est un peu comme une drogue : les descriptions ont tendance à sembler cliniques ou subjectives. Pour vraiment l’obtenir, vous devez en faire l’expérience par vous-même, en écoutant des enregistrements, en regardant des vidéos ou en assistant à un spectacle tel que “Zelmira” de Rossini, rarement joué, que le Washington Concert Opera propose avec Lawrence Brownlee vendredi soir prochain.
Mais au moins je peux vous donner une orientation.
Le bel canto est censé être la manière par excellence de chanter l’opéra. Le style est associé à de belles mélodies, des voix argentées et des flots de notes rapides qui montent et descendent la gamme, parfois seulement vaguement autour du cadre de ce que le compositeur a réellement écrit. Parce que le chant d’opéra n’est pas amplifié, l’une de ses techniques de base consiste à développer un support respiratoire suffisant pour permettre à votre voix d’être entendue dans un théâtre de 3 000 places sans microphone. Les professeurs disent souvent aux chanteurs de visualiser une colonne d’air solide, partant de votre diaphragme (ou inférieur) et s’étendant jusqu’à votre gorge, au sommet de laquelle votre voix est perchée comme une bille dorée. Avec un bon soutien respiratoire, un chanteur peut produire une longue, longue ligne de musique – le legato est le terme désignant la chaîne fluide et ininterrompue de notes connectées – et les compositeurs de bel canto ont écrit de longues, longues mélodies à chanter.
Les ténors et les sopranos qui chantent le bel canto ont tendance à avoir des voix plus légères que ceux qui chantent, disons, Verdi et Puccini. Les ténors, en particulier, sont les poids mi-moyens du monde de l’opéra. Nous sommes actuellement dans un nouvel âge d’or des ténors du bel canto, avec Juan Diego Florez, Lawrence Brownlee et Javier Camarena trois des principaux représentants. Mais les seuls rôles de Verdi ou de Puccini dans lesquels vous les verrez sont les plus légers, comme le Duc dans “Rigoletto” de Verdi ou Alfredo dans “La Traviata”. Puccini appelle rarement un do aigu, et jamais le fa aigu que Bellini a lancé pour le ténor principal de son opéra “I Puritani”.
Les voix de bel canto ont également besoin de beaucoup de flexibilité pour chanter toutes ces notes rapides. Cela ne signifie pas nécessairement une voix plus petite ; en effet, certaines des grandes mezzo-sopranos de mémoire récente, telles que Marilyn Horne et Ewa Podles, ont ébloui dans le bel canto, et les sopranos Joan Sutherland et Maria Callas n’étaient pas vraiment chétives vocalement. Mais d’une manière générale, une extension supérieure très élevée va souvent de pair avec un instrument plus léger.
Quant au Do aigu : Le type de Do que vous entendez aujourd’hui est un développement relativement récent. À l’apogée du bel canto, les ténors abordaient la plupart des notes au-dessus d’un si en fausset, comme un crooner ; Lorsque le ténor Gilbert-Louis Duprez a essayé pour la première fois un do aigu à pleine voix, dans “William Tell” de Rossini en 1831, Rossini a comparé le son au cri d’un chapon étranglé. Néanmoins, la note s’est imposée et le style de Duprez a déplacé une tradition établie du bel canto, au point que nous nous attendons à des notes aiguës pleines de voix. Pour vous faire une idée du contraste, écoutez le superbe fa aigu de fausset de Pavarotti dans “I Puritani” (vers la fin de l’ensemble “Credeasi misera”) et comparez-le à la prise à pleine voix de quelqu’un comme Nicolai Gedda, également loin de minable, dans le même morceau. (Vous pouvez également, sur YouTube, trouver plus d’une vidéo comparant les interprétations de différents ténors de cette même note, encore et encore ; c’est ce que font les amateurs d’opéra pour s’amuser. Bienvenue dans mon monde.) Le nec plus ultra de l’aigu -C tradition, l’opéra qui a scellé la renommée américaine de Pavarotti en tant que “King of the High C’s” en 1972, est “The Daughter of the Regiment” de Donizetti, que Javier Camarena a récemment fait sien au Met, bouleversant des décennies de tradition de l’entreprise en donnant en fait des rappels (le plus récemment le mois dernier).
Bien que les idéaux du chant bel canto ne se soient jamais complètement démodés dans la pédagogie vocale, certains détails — les trilles ; ou la technique appelée messa di voce, dans laquelle un chanteur gonfle la voix de très faible à très forte et redescend au calme en un seul geste soutenu ; ou l’art de chanter une colorature propre sans faire de bruits de chugga-chugga dans la gorge (un point controversé) – ont brouillé pour de nombreux chanteurs. C’est en partie parce que le répertoire actuel du bel canto, daté à la fois dans ses histoires et dans son style orné (avec chaque air plus lent suivi d’une cabalette plus rapide pour montrer la pyrotechnie vocale), a été essentiellement négligé pendant une centaine d’années, jusqu’à ce que le milieu du XXe siècle, lorsque Callas (et d’autres) ont commencé à l’explorer à nouveau et à exploiter ces œuvres pour leur potentiel expressif et dramatique, plutôt que de simplement les utiliser comme véhicules pour un son magnifique.
Les compagnies d’opéra ont encore tendance à se concentrer sur quelques titres seulement : Donizetti a écrit plus de 70 opéras, dont seulement une poignée sont en rotation régulière, et Rossini est surtout connu pour ses opéras comiques, bien qu’au cours de sa vie il ait été vénéré pour ses nombreuses œuvres sérieuses. comme “Zelmira”. Bellini est mort cruellement jeune, à 33 ans, mais a laissé certains des plus beaux opéras bel canto, et sans doute le plus long héritage, affectant tout le monde, de Chopin à Verdi en passant par Wagner. (Wagner, notamment, voulait des chanteurs de bel canto dans ses propres opéras, mais le langage musical qu’il a développé, avec ses immenses orchestres et ses rôles, a progressivement fait évoluer une autre race de chanteur puissant et héroïque – qui néglige trop souvent les lignes legato et le beau style de chant qui sont l’héritage tangible du bel canto à l’opéra.)
Bien sûr, ces mélodrames intensifiés peuvent sembler datés. Pourtant, leurs émotions, si vous pouvez voir à travers les pièges historiques, sonnent toujours vrai. Prenez la fin de l’acte I de “Norma”, lorsque la femme plus âgée écoute avec sympathie la confession de la jeune femme d’une liaison illicite, pour découvrir qu’elles ont toutes les deux des relations avec le même homme – qui, voyant que le secret est dévoilé, blâme rapidement non pas lui-même, mais la jeune femme pour avoir renversé les fèves. (“Moi?” dit-elle, incrédule.) Cela pourrait être une scène de “Mad Men”, si les femmes en question n’étaient pas des prêtresses druides.
Ce qui transporte vraiment le sentiment jusqu’au présent, cependant, ce sont les voix. On parle beaucoup ces jours-ci que l’opéra existe pour raconter des histoires. Ce qu’ils font, cependant, c’est raconter des histoires à travers la musique, en particulier à travers les voix qui la chantent. Le bel canto met pleinement en lumière les voix, qui ont un effet viscéral comme aucune autre forme d’art ne le fait. Si vous voulez comprendre ce qui rend l’opéra spécial et excitant pour les gens qui l’aiment, le bel canto n’est pas un mauvais point de départ.