Oui, l’Orchestre philharmonique de New York, car un nouvel opéra vraiment innovant, comme je l’ai déjà dit, ne semble pas se produire souvent dans les véritables maisons d’opéra. Du moins, pas dans les américains.
« Prisonnier d’État » est une réinvention évocatrice dans laquelle l’original de Beethoven se cache juste sous la surface, visible comme un frottement de pierre tombale qui a été travaillé dans un nouveau dessin.
Depuis quelques années, Lang exploite fructueusement une veine de travail distinctive : une musique vocale-instrumentale à la fois lyrique et ascétique, avec des instruments compensant des lignes vocales gracieuses et courtes.
Un exemple est “The Little Match Girl Passion”, l’œuvre chorale de 2008 qui a fait un oratorio à la Bach à partir d’une histoire de Hans Christian Andersen. Il a remporté le prix Lang a Pulitzer, ce qui a contribué à le transformer de non-conformiste du centre-ville en un chouchou de l’establishment de la musique classique – un compositeur, en bref, que le New York Philharmonic commanderait.
Le New York Philharmonic qui a terminé sa saison avec “Prisoner of the State”, s’efforce cependant d’être un New York Philharmonic différent de l’ensemble élitiste qui, pendant de nombreuses décennies, n’avait pas fait grand-chose pour dissiper la déclaration du critique-compositeur Virgil Thomson, en 1940, que l’orchestre “ne fait pas partie de la vie intellectuelle de New York”.
Le chef d’orchestre américain Alan Gilbert, directeur musical de l’orchestre de 2009 à 2017, a tenté de faire bouger les choses avec des semi-mises en scène d’opéras (comme « Le grand macabre » de Ligeti) et un festival de musiques nouvelles, mais il n’a pas semblé y parvenir. obtenir suffisamment de traction pour effectuer le changement qu’il voulait. Son successeur, Jaap van Zweden, n’était pas un choix évident : le chef d’orchestre hollandais avait amélioré l’Orchestre symphonique de Dallas mais n’était pas connu pour son grand charisme, ses qualités relationnelles ou sa programmation particulièrement innovante.
Van Zweden, cependant, s’est avéré plus flexible que les opposants ne l’avaient prévu. Et sous lui et Deborah Borda, la centrale administrative qui a transformé l’Orchestre philharmonique de Los Angeles en l’un des orchestres les plus excitants du pays avant de retourner à New York en tant que président et directeur général de l’Orchestre philharmonique en 2017, l’orchestre connaît une sorte de renaissance.
Les thèmes de la saison 2018-2019, la première de Van Zweden, comprenaient l’immigration et le travail de compositeurs new-yorkais aussi importants que Lang ; Julia Wolfe, qui a écrit l’oratorio “Fire in My Mouth” sur l’incendie de l’usine Triangle Shirtwaist ; et John Corigliano.
La saison 2019-2020 comprendra le début du “Projet 19”, des commandes de 19 compositrices pour marquer le centenaire du 19e amendement, qui a donné aux femmes le droit de vote. Et la semaine dernière, l’orchestre sonnait très bien.
Pour la pièce de Lang, l’orchestre a joué dans une cage de clôture grillagée, de nombreux joueurs arborant les mêmes bonnets tricotés que le protagoniste de l’opéra, «l’assistante» (Léonore dans la version de Beethoven), une femme qui s’est déguisée en homme pour trouver son mari, un prisonnier politique.
“Fully staged” est un concept discutable dans une salle de concert, mais la réalisatrice Elkhanah Pulitzer et le scénographe Matt Saunders ont créé une prison efficace derrière et autour des musiciens, les séparant d’une porte de prison en métal avec une passerelle centrale. Sur une corniche au-dessus et derrière la scène se recroquevillaient les chœurs d’hommes, leurs combinaisons de prisonniers jaunes une des rares touches de couleur (Maline Casta a conçu les costumes) dans une palette sombre.
La musique de Lang, elle aussi, est austère mais pleine de couleurs vives, massant tout l’orchestre dans des éruptions sombres et féroces ou l’amincissant pour chanter des cordes derrière les voix. (L’amplification a évidemment été ajustée et améliorée après la soirée d’ouverture.)
La clarté de la musique s’est accompagnée d’une clarté du langage, donnant un morceau ressenti comme aussi fort et distillé que la vodka. Parfois, le texte était une traduction quasi littérale de l’allemand : Le Prisonnier (le baryton Jarett Ott), captif dans une fosse sous la scène et transmettant son premier air par vidéo au mur du fond comme un film d’otage des temps modernes, ouvrait son aria avec les mots “Uhhh. So dark », se rapprochant du « Gott, welch’ Dunkel hier » du ténor Florestan de Beethoven. Parfois, l’air évoquait simplement le sens de l’original, comme l’hymne du geôlier au pouvoir de l’or, ici pas de chansonnette joyeuse mais une déclaration de pragmatisme amer, puissamment chantée par Eric Owens, qui semble être en pleine forme vocale ces jours-ci.
D’autres moments étaient entièrement nouveaux, comme l’exégèse du mauvais Gouverneur, chantée en lambeaux par Alan Okie, selon laquelle « il vaut mieux être craint qu’être aimé ». Le ton a été donné par l’air d’ouverture de l’assistant : “J’étais une femme autrefois”, a chanté Julie Mathevet, explorant les implications du travestissement du personnage d’une voix délicate qui a pris une partie de l’absence de sexe sans vibrato d’un garçon soprano.
Quant à la fin, le deus ex machina original de Beethoven – la vertu récompensée, le mal puni – était considéré comme une relique d’un temps meilleur, mais pas comme quelque chose de possible dans le monde réel. L’assistant essaie de tirer sur le gouverneur, mais rien ne se passe; se débarrasser d’un seul homme ne changera rien au système qui les asservit tous.
Aux États-Unis, les grands projets d’opéra sont souvent façonnés par des contraintes : un temps de répétition limité, les budgets et les concepts des institutions diffusantes.
En Europe, où les arts sont encore largement soutenus par l’État (et où les cinq autres co-commissaires de l’opéra de Lang sont basés), il existe une tradition de travailler sans aucune contrainte. Pierre Audi, le metteur en scène qui dirige le Dutch National Opera, le Holland Festival et, depuis 2017, le Park Avenue Armory, vient de voir sa production « Aus Licht », basée sur le cycle de 29 heures de sept opéras distincts de Karlheinz Stockhausen, interprétée avec des forces composées de 680 musiciens et techniciens, ainsi que quatre hélicoptères, après deux ans (pas une faute de frappe) de temps de répétition.
En comparaison, “Everything That Happened and Would Happen”, du réalisateur-compositeur allemand Heiner Goebbels, qu’Audi a amené à l’Armory pendant une semaine en juin, était de petites pommes de terre – tout ce qu’il a fait était d’utiliser 11 danseurs, cinq musiciens, des vidéos et une mine d’accessoires pour tenter de raconter le XXe siècle en Europe en un peu plus de deux heures.
Voici la chose : les contraintes ne sont pas nécessairement une mauvaise chose. Les compagnies d’opéra américaines, essayant de créer de nouvelles œuvres, ont imaginé une formule impliquant des dramaturges et des ateliers de livrets ; les résultats semblent souvent stéréotypés.
Mais l’œuvre follement ambitieuse de Goebbels, s’inspirant largement des deux « Europeras » de John Cage et du livre merveilleusement loufoque « Europeana » de Patrik Ourednik, était si informe qu’elle paraissait beaucoup plus longue qu’elle ne l’était. Les danseurs ont rempli et vidé l’espace caverneux avec différents accessoires et surfaces de projection dans une allégorie des désordres de l’histoire humaine, constamment démolis et refaits.
Il y a eu des moments merveilleux, comme la séquence où des rayons de lumière parallèles, remplissant la vaste salle, ont créé l’illusion qu’ils transportaient les danseurs, un tapis roulant visuel. Mais le fouillis d’images, d’idées et de sons avait besoin d’un éditeur. Si ça avait été une heure de moins, ça aurait été magnifique.
L’envie de réexaminer le genre est la bonne.
Mais même le Metropolitan Museum, ce printemps, semble plus pionnier que le Metropolitan Opera : l’installation de l’artiste islandais Ragnar Kjartansson “Death Is Elsewhere” est autant un opéra qu’autre chose, mêlant musique, paroles, visuels et actions en une heure fascinante. -longue vidéo, sur sept écrans. Deux paires de jumeaux (dont les chanteurs-compositeurs indépendants Bryce et Aaron Dessner) marchent en cercle, grattant des guitares et chantant des extraits de texte sur une mélodie folklorique répétitive, encadrée par le paysage islandais d’un vert vif.
Y a-t-il une frontière entre l’opéra et l’art de la performance ? Kjartansson le décompose. Sa pièce « Bliss » de 2011, mise en scène à Los Angeles en mai, présente les deux dernières minutes des « Noces de Figaro » de Mozart, chantées encore et encore pendant 12 heures.
C’est mettre en scène le vieil opéra encore et encore avec une vengeance – et souligner son humanité, sa répétitivité, sa beauté et l’exploit humain de le réussir.