Plus à NewMusic un article de fond sur le compositeur Kevin Puts: Kevin Puts: Keeping Secrets
L’opéra de Puts The Hours a reçu une production somptueuse extraordinaire dont la plupart des compositeurs ne peuvent que rêver. Il comportait un énorme casting composé de trois grandes stars de l’opéra – Renée Fleming, Joyce DiDonato et Kelli O’Hara – ainsi qu’un chœur gargantuesque qui occupe souvent le devant de la scène. Lorsque la production a été annoncée, elle semblait sortir de nulle part, mais elle était en préparation depuis cinq ans. Il est né directement de la collaboration précédente de Puts avec Fleming, Letters From Georgia, un cycle de chansons de cinq moments basé sur des lettres que la peintre Georgia O’Keeffe a écrites à son mari, le photographe Alfred Stieglitz. Après que Fleming ait annoncé qu’elle ne se concentrait plus sur le répertoire d’opéra standard et qu’elle voulait consacrer ses énergies à chanter de nouveaux rôles, Puts lui a demandé avec désinvolture si elle serait disposée à chanter dans un opéra s’il en écrivait un pour elle. En quelques semaines, elle a suggéré un opéra basé sur The Hours, un récit complexe qui entremêle des histoires de femmes à trois périodes différentes qui avaient été un roman lauréat du prix Pulitzer ainsi qu’un film hollywoodien à succès. Puts, qui avait lu le livre et vu le film et les aimait tous les deux, a déclaré qu’il “pouvait imaginer instantanément le genre de choses que vous pourriez faire sur la scène lyrique qui ne sont pas possibles dans un livre ou dans un film”. Peu de temps après, elle a mentionné l’idée à Peter Gelb qui a été immédiatement enthousiasmé par une œuvre qui pourrait jouer trois grands tirages au box-office.
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Slipped Disc s’enquiert : VOTRE MUSIQUE EST-ELLE ASSEZ DIVERSIFIÉE POUR OXFORD À PUBLIER ? Oui, si vous :
• vivre avec un handicap ; et/ou
• sont des femmes ; et/ou
• s’identifier sur le spectre plus large du genre ; et/ou
• appartiennent à des groupes ethniques sous-représentés ; et/ou
• appartiennent à un groupe socio-économique inférieur
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L’économiste Tyler Cowen demande Pourquoi la musique classique a-t-elle décliné ? et propose quelques conjectures :
1. L’avènement de l’enregistrement musical a favorisé les formes musicales qui permettent la communication directe de la personnalité. Mozart est médiatisé par des partitions, mais les Rolling Stones sont enregistrés et la radio et maintenant en streaming. Vous obtenez en fait “Mick Jagger”, et la plupart des auditeurs préfèrent cela à un tas de noires. Donc, beaucoup d’énergie a quitté les formes de musique qui sont communiquées par des moyens plus abstraits, comme la notation musicale, et a sauté dans des musiques spécifiques à la personnalité.
1b. Les époques ont des centres de gravité esthétiques. Donc, pousser beaucoup de talents dans une direction décourage certaines autres directions de se développer pleinement. Dylan n’a pas seulement attiré les gens vers le folk, il les a éloignés d’essayer d’être le prochain Pat Boone.
2. L’électrification a favorisé une variété de styles musicaux qui ne sont pas “classiques” ou même “classiques contemporains”, avec mes excuses à Glenn Branca.
3. Les deux guerres mondiales ont détruit les berceaux de tant de merveilleuses cultures européennes. Ce n’est pas seulement la musique classique qui a souffert, mais aussi la science européenne, les lettres, l’entrepreneuriat et bien plus encore.
4. Il est difficile de surpasser Bach, Mozart, Beethoven, etc., alors les créateurs ont fini par se lancer dans de nouvelles directions. Et précisément à cause de la nature moins abstraite, plus chargée de personnalité de la musique populaire, il est plus difficile d’avoir une très longue carrière et d’accéder au statut de véritable titan. Les Rolling Stones se sont essoufflés il y a quarante (?) ans, mais Bach aurait pu continuer à écrire des fugues s’il avait vécu plus longtemps. Les époques musicales plus récentes comptent donc de nombreux créateurs de plus petite taille dans l’ensemble, même si le total de la musique merveilleuse est resté très élevé.
5. La musique classique contemporaine (NB : ce n’est pas le meilleur terme, d’une part une grande partie n’est plus contemporaine) est bien meilleure que la plupart des gens ne le pensent. Une grande partie est conçue pour les pairs et destinée à être expérimentée en direct. Au cours de la dernière décennie, j’ai vu des représentations de Satyagraha de Glass, de Passion selon Saint-Marc de Golijov, de Le Marteau de Boulez (à l’IRCAM) et de Mantra de Stockhausen, et tout cela était assez incroyable. Je doute que ces mêmes pièces soient très efficaces en streaming. C’est peut-être malheureux, mais en raison des incitations émanant des pairs, la plupart des auditeurs non pairs n’ont pas la dimensionnalité appropriée de l’expérience d’écoute pour apprécier correctement ces compositions. Pour être clair, pour la plupart moi non plus, je ne vis pas ici dans le nord de la Virginie, mais parfois je peux surmonter cela (surtout grâce aux voyages) et en tout cas je suis conscient du phénomène. Pour ces mêmes raisons, il est faux de penser que ces œuvres auront une notoriété nettement plus élevée dans 50 ou 100 ans — certaines d’entre elles sont déjà assez anciennes !
J’espère que cela suscitera quelques commentaires. Une chose est sûre, ces spéculations sont bien plus intéressantes que les habituelles “parce que la musique classique contemporaine c’est de la merde non musicale !”
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J’ai mentionné à quelques reprises que la créativité dans les arts est un équilibre entre tradition et innovation et apparemment le critique Jed Pearl est d’accord : Authority & Freedom : A Conversation with Jed Perl
vous dites que vous avez écrit votre livre « pour libérer l’art de l’emprise de la pertinence », pour remettre en question l’idée que les œuvres d’art peuvent être « validées (ou invalidées) par la mesure dans laquelle elles s’alignent (ou ne s’alignent pas avec) nos préoccupations sociales et politiques actuelles.
Beaucoup d’autres choses intéressantes dans l’interview.
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Concernant l’étude de la musique : Aborder la dépendance à l’épuisement professionnel de la musique classique
le modèle institutionnel de l’enseignement de la musique classique nous incite à tomber amoureux de l’épuisement professionnel dès le début. En entrant dans un conservatoire, nous sommes encouragés à maintenir des horaires chargés, à travailler au-delà du point d’épuisement et à disposer de comptes de médias sociaux immaculés présentant notre répertoire phare afin de justifier notre choix de carrière. Même si j’aime énormément ce que je fais, j’ai été conditionné à me sentir anxieux lorsque mes journées ne sont pas chargées à cause de ce qu’on m’a appris à l’école : que l’apprentissage des notes sur la page passe avant mon repos.
Je ne ressentais pas cela quand j’étais étudiant, mais c’était avant les médias sociaux et la pression incessante pour être votre propre agent de marketing et promoteur.
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Je cherchais des articles amusants et intéressants sur la musique et les musiciens, mais je n’en ai vraiment pas trouvé beaucoup cette semaine. Trop de réflexion lourde ! Compensons donc par un peu d’écoute. Commençons par un petit clip YouTube qui me rappelle un séminaire universitaire que j’ai suivi : Samuel Andreyev nous explique une invention de Bach :
C’est amusant et intéressant si vous aimez le contrepoint. Vient ensuite Ravi Shankar et Alla Rakha de 1968 :
Bob Dylan, “Je serai ton bébé ce soir” ? Bien sûr, pourquoi pas?
Yuja Wang : Rachel One :
Je pense que c’est quelque chose pour tout le monde?