En tête de liste lorsque nous nous sommes arrêtés à Paris avant la dernière étape du voyage en train vers Sienne et de retour à Noël et au Nouvel An, il y avait “Pour Paul Celan” d’Anselm Kiefer au Grand Palais Éphémère.
Cela n’a pas déçu, mais Paris a dépassé les attentes cette fois – et nous y avons passé deux jours de plus que prévu, ce qui était tout le contraire des difficultés. Les annonces d’expositions dans le métro sont rares, donc ce n’est que lorsque nous nous sommes retrouvés devant le Centre Pompidou le dernier jour complet que j’ai réalisé qu’il y avait une grande exposition Georg Baselitz.
C’étaient des serre-livres spectaculaires à un moment dans la ville aussi heureux que je n’en ai jamais connu, et de manière inattendue là-haut avec la découverte de Turin et des retrouvailles avec Florence, Sienne et Venise. Nous avons été particulièrement chanceux d’attraper le Kiefer, qui s’est terminé le 11 janvier avant que d’autres Britanniques ne puissent se rendre à Paris pour le voir (nous avions eu la chance de traverser la France avant Noël la veille de la fermeture des frontières). J’avais lu la critique de mon collègue Mark Kidel sur le bureau des arts, mais je n’avais pas besoin d’encouragement après la rétrospective de la Royal Academy et les deux grands spectacles du White Cube Bermondsey.
Le nouvel espace parisien est à une extrémité du Champ de Mars face à la Tour Eiffel – les mottes de terre ici et la perspective pourraient être tout droit sorties d’un tableau de Kiefer –
et l’intérieur en forme de hangar avec ses entretoises en bois est absolument nécessaire pour l’espace des œuvres monumentales de Kiefer, autour duquel il y avait, comme auparavant, tant d’espace pour se promener et les voir sous tous les angles.
Mark révélateur a écrit que ‘tVoici quelque chose de séduisant et intemporel dans un spectacle qui nous rappelle que la violence et la fragilité humaines ne sont pas limitées dans le temps. Le génocide ne se limite pas à l’Holocauste. Si l’histoire nous enseigne quelque chose, c’est que l’humanité est enracinée (ou peut-être bloquée) dans des cycles de répétition. Les images de perfectibilité et de progrès sont une illusion. Donc, regarder en arrière sur cela et sur les images hideuses de l’Ukraine meurtrie par la guerre a une résonance particulière en ce moment. Le poète, né Paul Antschel, nom qu’il a changé en Ancel puis anagrammatiquement en Celan, a grandi à Czernowitz (aujourd’hui Tchernovtsy ukrainien) en Bucovine. Ses parents sont morts – son père du typhus, sa mère d’une balle dans le cou – dans un camp d’internement de Transnistrie, et il a échappé aux travaux forcés sous les nazis jusqu’en 1944.
‘Todesfuge’ (‘Death Fugue’), le poème le plus célèbre de Celan, dont il a ensuite tenté de se distancer, est une réponse à cette période horrible, Il est apparu dans son premier recueil de poèmes, Mohn et Gedächtnis (Coquelicot et mémoire). Il y a immédiatement un lien avec l’utilisation régulière par Kiefer de graines de pavot sur des tiges parmi les matériaux qu’il attache à ses peintures.
et dans la tentative de recréer ses réserves dans l’espace entre l’exposition et la zone café/bibliothèque, nous les voyons comme faisant partie de ses stocks commerciaux.
Contrairement au coquelicot rouge qui pour nous est un symbole de souvenir – nous rencontrons souvent ces fleurs vivantes dans les champs de Kiefer – la graine évoque l’opium et l’oubli. Pourtant, l’application de ces tiges et têtes s’élevant d’un bunker rond en béton, ou poussant d’énormes livres de plomb sur l’aile d’un avion en décomposition pleine grandeur du même matériau, transforme tout cela en souvenir et en un soupçon d’espoir, ou à moindre de l’humanité.
Les deux personnages principaux dont les noms sont répétés dans “Death Fugue”, Margarethe et Sulamith, sont les sujets de deux des grandes toiles de Kiefer du début des années 1980 avec de la paille appliquée à l’huile, de l’acrylique, de l’émulsion et de la gravure sur bois. et présenté dans l’exposition de la Royal Academy (faites défiler cette entrée de blog pour des réflexions à ce sujet). C’est là aussi que j’ai vu pour la première fois des poèmes de Celan inscrits sur Les tiges de la nuit et une de ses séries de gravures sur bois du Rhin. Inutile de dire qu’ils sont également répandus dans cette dernière exposition, y compris une toile qui tire son titre du “Zuversicht” (“Confiance”) de Celan, bien que l’utilisation de matériaux naturels ici soit plus évocatrice de “Das Geheimnis der Farne”. (“Le secret des fougères”). C’est un thème établi de longue date de Kiefer qu’un réservoir devrait se cacher dans un environnement semi-naturel.
Il y a de la musique de mots dans la poésie de Celan mais le sens est très insaisissable. Kiefer, qui déclare qu’il ne s’est pas passé un jour sans penser à Celan – qui s’est suicidé à Paris en se noyant dans la Seine en 1970, à l’âge de 49 ans seulement – fait remarquer (j’espère que mon français est assez bon pour rendre la traduction du polycopié) que « le langage de Paul Celan vient de si loin, d’un autre monde auquel nous n’avons pas encore été confrontés, qu’il paraît extraterrestre. On le comprend mal. Nous saisissons ici et là un fragment. On s’y accroche sans jamais pouvoir discerner l’ensemble. J’ai humblement essayé pendant soixante ans. Et une vision d’ensemble est si souvent ce que nous obtenons dans ces vastes toiles, même si elle est si souvent contradictoire ou ambivalente. La correspondance entre le texte et la vision peinte n’est pas toujours claire – Denk dir – die Moorsoldaten doit être lié au poème “Pensez-y – le soldat des tourbières de Massada / s’apprend à la maison”, mais je ne vois pas comment, au-delà d’un optimisme visionnaire commun aux deux. Mais c’est un travail extrêmement impressionnant. L’apocalyptique Auf der Klippe (Sur la falaise): fourrure Paul Celan se tient devant lui dans la deuxième image.
La toile la plus frappante de toutes, en tout cas pour moi, car je n’avais jamais rencontré certains de ses éléments dans une peinture de Kiefer auparavant, s’appelle énigmatiquement Madame de Staël: de l’Allemagne.
Qu’est-ce que les champignons qui poussent sur le sol de l’aéroport de Tempelhof, dont beaucoup portent des étiquettes d’artistes, compositeurs et écrivains allemands célèbres, ont à voir avec cela ? L’ouvrage se suffit à lui-même, mais on nous dit que Mme de Staël écrit avec admiration sur l’Allemagne à ses compatriotes en 1813; Depuis, l’histoire allemande a tellement basculé. Kiefer, bien sûr, embrasse le tout.
Entre le Kiefer et le Baselitz, nous avons marché des kilomètres par un temps de plus en plus clément et nous sommes restés pour la première fois (cela m’a toujours un peu fait rêver) sur le Île Saint-Louis; ça vaut vraiment le coup. J’ai couvert une partie de l’intérim dans un article de blog précédent ici.
Ainsi de Hans Georg Kern, né le 23 janvier 1938 à Deutschbaselitz près de Dresde, de sept ans l’aîné de Kiefer, qui a grandi en jouant dans les ruines de Donaueschingen. Il écrit : « Je suis né dans un ordre détruit, un paysage détruit, un peuple détruit, une société détruite. Et je ne voulais pas rétablir un ordre ; J’en avais assez vu du soi-disant ordre. J’ai été obligé de tout remettre en question, d’être « naïf », de recommencer ». Kern a pris le nom de Baselitz en 1961, puis a choqué le monde avec un pénis géant en érection en La grande nuit dans les égouts, masquant apparemment sa haine d’Hitler ; lorsqu’il revisite l’œuvre en 2005, la ressemblance avec le dictateur est encore plus forte.
Son prochain pari, en 1964, était de se présenter comme Oberon, le roi des fées, en quatre têtes en double – “pas des têtes”, écrit-il, “au sens de portraits, mais quelque chose comme une image qui a au centre. au milieu d’une soupe de couleurs, une tête qui devenait de plus en plus distincte d’un tableau à l’autre ».
Un sentiment de dislocation dans une Allemagne divisée a fait son apparition dans la série des « peintures de fracture » (1966).
Puis, en 1969. Baselitz déclare avoir trouvé “la pierre philosophale./La peinture se perpétue par l’inversion des motifs./Il est possible de créer une peinture abstraite par cette méthode”.
L’aigle tumbling et l’homme nu (Triangle entre le bras et le tronc) font partie de ses peintures au doigt.
Le Modèle pour une sculpture, sculpté à la hache et au ciseau puis pulvérisé de peinture rouge et noire, et si bien placé dans une pièce avec deux des peintures à l’envers les plus vibrantes (voir en haut), découle de la collection d’art africain de Baselitz. Il a nié que le bras levé était destiné à représenter un salut nazi, mais bien sûr, cela a provoqué un scandale.
En 1989, après la chute du mur de Berlin, Baselitz rappelle la reconstruction de Dresde et rend hommage à la ‘Trümmerfrauen’, les femmes qui déblayent les décombres, aux têtes jaunes de Dresdner Frauen.
Des bronzes tardifs et une image saisissante de sa femme Elke dans un lit d’hôpital nous emmènent un peu plus loin dans la dernière grande salle.
Comme le Centre Pompidou était à nouveau frais et vivant ; Je me suis souvenu de ces jours où j’avais découvert Paris au retour d’une fête de Pâques à Rome en 1983 lorsque j’avais regardé le film bizarre de Syberberg sur Wagner Parsifal au cinéma là-bas gratuitement (plus de trois visites) et a été tellement frappé par la déclaration de Delaunay selon laquelle «la couleur elle-même est forme et sujet». J’ai erré dans les galeries d’art du XXe siècle et, bien sûr, les ascensions des escalators étaient aussi magiques que jamais compte tenu de la lumière.
Paris, je suis retombé amoureux de toi pendant ce voyage. Si proche de Londres, et pourtant si totalement différente.