Didon et Enée/Château du Duc Barbe BleueOpéra de Francfort, 18 juin 2022
Je vois un opéra cet été lié à un projet que je fais sur les « opéras à problèmes » et j’ai pensé que j’écrirais sur certaines des performances ici. Ce premier n’était pas prévu pour faire partie de mon projet de recherche – j’étais à Francfort pour autre chose – mais je n’allais pas sauter une perspective aussi intéressante, et je suis content de l’avoir vu.
À première vue, ce double projet de loi est étrange, surtout en raison du style musical radicalement décousu. Mais la production de Barrie Kosky, culte préférée ici à Francfort (elle a été créée en 2013), plaide pour les deux opéras en tant qu’histoires de relations condamnées, et finalement cette production est plus que la somme de ses parties déjà formidables.
Kosky’s Didon a les restrictions étudiées d’un exercice d’école de théâtre, ou un metteur en scène Dogme 95 qui a décidé d’un ensemble de règles totalement différent : une scène extrêmement peu profonde est coupée en deux par un banc qui s’étend sur presque toute sa largeur, un chœur qui est dirigé pour être « expressif ». » et une production dont les couleurs pastel donnent peu d’indices sur un décor ou une époque précise. Le résultat a la planéité et les poses stylisées fréquentes d’une photographie, et en effet c’est une production qui rend bien dans les images, mais elle est bien choisie pour concentrer les forts contrastes de l’histoire de Purcell.
Les personnages secondaires dans Didon sont rendus avec une stylisation exagérée, y compris les sorcières qui remuent la tête et le refrain de la fête toute la journée. Dido, en revanche, a été interprété par Cecelia Hall avec une vive indécision et une précision musicale, c’est une grande performance mais qui ne devient jamais baignante. La perte ici, sans doute, était Enée, malgré les meilleurs efforts de Sebastian Geyer, il apparaît comme un gars, mais c’est en partie la faute de Purcell (j’ai aussi pensé qu’il était un peu mal exprimé vocalement; sa voix semble assez sombre pour cette pièce). L’orchestre a adopté une approche HIP-light principalement convaincante, comprenant des flûtes à bec et des vents d’époque, mais des instruments modernes joués dans un style d’époque; il s’agissait plus d’une performance historique légère et légère que d’une monumentale romantique.
En revanche, Kosky Barbe Bleue est très tridimensionnel, le banc remplacé par une plaque tournante inclinée (j’étais parfois distrait en pensant à la difficulté de mettre en scène ce genre de situation – la réponse étant «très», bien qu’il ne tourne pas si souvent). Kosky reste minimaliste mais d’une manière différente : la mise en scène ne cherche jamais à représenter littéralement les portes, les chambres de torture ou quoi que ce soit d’autre révélé dans le château. Il n’en a pas besoin, car ils sont déjà dans l’orchestre, et un analogue visuel ne serait probablement jamais à la hauteur de la musique de Bartók.
Le résultat est très abstrait, le drame une histoire de Judith et Bluebeard se détruisant progressivement. Barbe-Bleue n’a tué personne, mais lui et ses précédentes épouses apparaissent comme des doubles de lui-même et de Judith, faisant allusion à leur passé et à leur avenir. Il y a des fioritures visuelles faisant allusion au texte, y compris des vignes, de la fumée et de l’eau, qui émergent toutes de Bluebeard et de ses trois doubles.
La scène nue signifie que tout l’accent est mis sur le casting, et Claudia Mahnke et Nicholas Brownlee, mais tous deux ont pu trouver une physicalité reflétant l’intensité de la musique et semblaient complètement absorbés. Je pensais que Mahnke était un peu plus spécifique que Brownlee, mais elle chante cette production depuis un moment (et il sonnait bien, d’après la liste des engagements à venir que le monde de l’opéra va beaucoup entendre parler de lui dans les prochaines années) . Le chef d’orchestre Benjamin Reiners a peut-être eu la tâche la plus difficile de la soirée, dirigeant deux œuvres aussi radicalement différentes, mais le Bartók était remarquablement équilibré et plus axé sur les chanteurs que la concentration hautement symphonique que vous entendez souvent dans cette œuvre.
C’est le genre de performance qu’il est facile de dire “évite le schtick lyrique traditionnel”, et c’est le cas, ainsi que la mise en scène avec deux classiques du répertoire qui existent néanmoins en marge du canon traditionaliste (ce qui signifie qu’il n’a aucun des grands traits du XIXe siècle comme les triangles amoureux, les trahisons, les cabalettas, etc.). J’hésite à le formuler de cette façon parce que c’est difficile à faire d’une manière qui ne dénigre pas Verdi et Puccini, ce que je n’ai aucun intérêt à faire, et qu’est-ce que l’opéra sans quelques schtick parfois ? Mais il est néanmoins rafraîchissant de voir un double projet de loi aussi inventif mis en scène avec un style unique et le genre d’approche qui profiterait à tout travail trop familier. Un classique qui fait mal au cœur.
Crédits complets pour la production ici
Photos du site de l’Oper Frankfurt, aucun photographe n’est crédité