Dans cet article, commandé à l’origine par la Royal Academy of Music, le violoniste et professeur Giovanni Guzzo décrit ses priorités d’enseignement et explique pourquoi il est important que les élèves croient que tout est possible
Rencontrer Maurice Hasson et venir à la Royal Academy étaient les meilleures choses qui pouvaient m’arriver à une étape aussi clé de ma carrière. J’ai fait mon baccalauréat en sciences et mon diplôme de troisième cycle ici et ce fut une expérience qui a changé ma vie. Être à Londres était un peu intimidant au début, parce que c’était une ville immense et trépidante, mais j’ai réussi à en tirer le meilleur parti, profitant d’être entouré de tant de culture.
A 82 ans, Maurice Hasson pratique encore cinq heures par jour et continue de découvrir de nouvelles choses. C’est une carrière incroyable à avoir. Il était un élève de Szeryng et m’a beaucoup appris de cette vieille tradition, mais la plus grande chose qu’il m’a donnée a été une structure très claire pour mon jeu. Une fois que j’avais cette structure, j’avais la liberté de faire ce que je voulais. C’était très important pour moi – c’était comme construire une maison que je pourrais meubler et décorer moi-même.
L’une des choses les plus rigoureuses de la philosophie de Maurice Hasson est l’importance de la partition. C’est le lien direct que nous avons avec ce que le compositeur voulait dire. À partir de là, les possibilités sont infinies, mais toujours à l’intérieur de cette structure.
Il est impossible de jouer la partie de violon solo dans un concerto sans savoir ce qui se passe dans l’orchestre et comment cela affecte quoi et comment vous devriez jouer. J’ai récemment joué le Concerto de Sibelius, et c’est une grande symphonie. Je demande aux élèves : « Qui joue ici ? », « À quoi cela mène-t-il ? » et « Quelle est l’expression ? », afin qu’ils comprennent la recherche de connaissances derrière tout cela.
L’un des éléments clés de mon enseignement est de ne jamais enlever la personnalité de l’élève. Nous avons tous des choses différentes à dire et je crois que mon travail consiste à donner les outils aux étudiants pour qu’ils puissent traduire cela de la meilleure façon possible. Le violon n’est pas un instrument facile à jouer, mais avoir ces outils leur permet de développer leur propre voix.
Les étudiants arrivent ici à un moment aussi important de leur vie. Les années entre 18 et 28 ans sont une période clé, quand ils veulent jouer, explorer et absorber autant de musique que possible. Tant de choses se réunissent pour eux. Ils ont beaucoup d’idées musicales mais ils sont prêts à se développer dans leur environnement. Cela m’est arrivé quand j’étais ici – l’Académie est devenue un havre où je pouvais explorer des idées musicales et différents styles de jeu, respirer et vivre la musique au quotidien et être inspiré et entouré par tant d’artistes et de personnalités différentes.
A cet âge tout est possible – ou du moins faut-il croire que tout est possible, et cette mentalité vous aide à réaliser des choses dont vous réaliserez plus tard qu’elles étaient très difficiles. Parfois, je reviens sur un morceau que j’ai joué avec orchestre dans ma jeunesse et je me demande comment j’y arrivais à l’époque.
Pendant qu’ils sont à l’Académie, les étudiants passent de jeunes à adultes – non seulement dans leur vie personnelle, mais aussi dans la façon dont ils jouent et abordent leurs instruments et les éléments musicaux des pièces. C’est fantastique de voir ce processus. Parfois, cela se produit très rapidement et parfois, cela se produit plus lentement. Ils posent les fondations de ce qu’ils seront, prennent des décisions qui façonneront leur avenir d’une manière ou d’une autre.
Je ne dirais jamais : « Arrêtons tout et utilisons juste des échelles et des études », car cela peut être frustrant et démoralisant. En fin de compte, tout le monde veut jouer – c’est ce que nous apprécions.
Il est essentiel de trouver la bonne pièce pour la bonne personne au bon moment. Je pense que la plupart des aspects techniques que vous devez surmonter peuvent être résolus grâce à la musique. Comprendre pourquoi le compositeur utilise un élément technique pour exprimer une idée musicale est essentiel. Je jouais toujours des morceaux que je voulais jouer et surmontais les obstacles, donc j’essayais toujours de résoudre les difficultés techniques à travers des idées musicales.
Tout le monde est différent et cela me fascine. Il y a des gens qui viennent ici avec une capacité musicale et un phrasé fantastiques, et comme une belle voiture qui a tout, ils en viennent au point où ils veulent avoir tous les outils pour obtenir le meilleur et le plus efficace équilibre du moteur – vous mettez l’huile et toutes les pièces commencent à fonctionner. Et il y a des gens qui arrivent avec une technique fantastique et il suffit de les aider à déployer leurs ailes et à libérer leur imagination.
Enseigner aux autres est la meilleure façon de s’enseigner soi-même. Vous devez venir à chaque leçon avec un esprit différent pour chaque élève. C’est gratifiant pour moi en tant qu’artiste, car non seulement je leur donne, mais ils me donnent aussi beaucoup à penser à mon propre jeu.
La chose la plus importante est la volonté d’en vouloir plus. Il est si facile d’écouter de la bonne musique de nos jours : vous pouvez regarder les plus grands orchestres, chefs d’orchestre et musiciens sur YouTube. Il y a beaucoup d’informations à assimiler pour les étudiants, mais en fin de compte, la créativité vient du désir de devenir un meilleur artiste, d’avoir plus à dire sur ce que vous faites. C’est ce que nous essayons tous d’atteindre.
Pourquoi les gens viennent-ils aux concerts ? Ils veulent ressentir quelque chose. J’utilise beaucoup les images dans mon enseignement. Qu’est-ce que tu imagines ? Que sens-tu ? Que voulez-vous que les gens ressentent ? En tant que musiciens, nous voulons transmettre une émotion, émouvoir les gens. Ils sont sortis de chez eux, sont montés dans leurs voitures et conduits à la salle de concert. Ils veulent se faire plaisir. Dans l’ordre des choses, une erreur en une demi-heure n’a pas d’importance, mais elles ne peuvent pas être déplacées si vous n’essayez pas de dire quelque chose.
Nous apprenons à jouer de l’instrument avec suffisamment de facilité pour ne pas avoir à réfléchir à la façon dont nous faisons ce que nous faisons. Cela devrait être comme la voix humaine. L’objectif principal est d’oublier tous les défis techniques et juste de communiquer.
Il suffit d’écouter Spotify pour se rendre compte que nous vivons à l’âge d’or du violon, mais il y a un charme particulier que les générations plus âgées avaient. Ils ont pris plus de risques, car les techniques d’enregistrement impliquaient que tout devait se faire en grosses prises. Quand vous écoutez ces joueurs, vous entendez qu’ils faisaient des choses intéressantes. J’encourage les élèves à écouter autant de violonistes que possible – d’aujourd’hui et d’anciens – et à réfléchir aux éléments qui les attirent dans leur jeu. C’est fascinant, car nous pouvons trouver beaucoup d’informations à apporter à notre propre jeu.
Nous vivons une époque passionnante, car je pense que nous revenons à l’excitation du spectacle vivant. Il y a plus de sociétés de CD axées sur les enregistrements en direct. Le CD a été un outil incroyable, et nous nous sommes approchés de la perfection, mais c’est excitant de voir cette tendance revenir à la prise de risques. Nous devons tous viser beaucoup plus haut que simplement jouer les bonnes notes au bon moment – nous nous éloignons de ce qu’un ordinateur pourrait faire.
Il est important de trouver la joie dans tout ce qui touche à la musique. Tout se nourrit de tout le reste. Le métier a tellement changé en 20 ans, et aujourd’hui on attend des solistes qu’ils sachent jouer des concertos, mais on a aussi envie de les écouter jouer de la musique de chambre. Je dirige également des orchestres. La musique de chambre alimente le jeu solo et aussi le jeu orchestral. Tout se nourrit dans le même pot. Il faut être un artiste complet, avoir une énorme soif de tout, et comprendre toutes ces différentes facettes de sa carrière. La plupart des artistes sont comme ça maintenant, et le public le veut.
La musique ne concerne pas seulement le monde que nous créons dans les murs de l’Académie – lorsque vous marchez dans les rues de Londres, il y a tellement de choses incroyables à vous offrir : musées gratuits, concerts, théâtre. J’encourage les étudiants à tout saisir.
En tant qu’enseignants, nous essayons de donner aux élèves les outils dont ils ont besoin. Nous leur apprenons à jouer en tant que solistes, à travers le répertoire solo, mais en fin de compte, ils auront également besoin de tous ces outils en tant que musiciens d’orchestre ou en musique de chambre.
Il est important d’être ouvert à la vie qui remplit sa promesse de différentes manières. Certaines personnes viennent ici avec la mentalité de vouloir être soliste et sont déçues de se retrouver à jouer dans un orchestre. Jouer dans un orchestre peut être une vie passionnante – ça l’a été pour moi.
Il y a tellement plus dans le rôle de premier violon que de jouer. Il faut savoir gérer une rubrique, savoir demander les choses, savoir tirer le meilleur des gens. Le mot anglais pour cela, « leader », est parfait, car il illustre comment vous faites partie d’un groupe, mais vous contribuez également à réaliser quelque chose de plus grand. Vous êtes le pont entre le chef d’orchestre et l’orchestre et vous contribuez à transformer les idées des chefs d’orchestre. C’est une conversation fascinante qui a fait de moi une artiste différente.
Diriger un orchestre relève de la psychologie, de la même manière que les entraîneurs de football tirent le meilleur parti de leurs joueurs. Dans un bon orchestre, tout le monde sait jouer de son instrument, vous créez donc un environnement où ils peuvent faire ressortir le meilleur d’eux-mêmes et sentir qu’ils font partie d’un processus plus large, et qu’ils sont essentiels. Il est facile pour le pupitre des premiers violons de se sentir seul, donc ma position en tant que leader est de faire en sorte qu’ils se sentent aussi importants que le premier pupitre. Chaque groupe apporte des défis différents, j’ai donc beaucoup découvert sur l’interaction humaine.
En fin de compte, nous partageons tous une musique fantastique, jouant ensemble dans de beaux moments qui ne se reproduiront plus jamais. C’est magique quand ça se passe bien. Le plus important est de rassembler les gens pour trouver un sentiment collectif de faire partie de quelque chose de grand.
Le grand défi pour les étudiants est la gestion du temps, car il y a tellement d’occasions d’apprendre et de s’impliquer, mais ils doivent encore s’entraîner. Le temps est si précieux, et c’est le temps le plus précieux pour les étudiants. Ils doivent apprendre tellement de choses si rapidement et c’est fantastique de pouvoir utiliser ce temps pour s’améliorer et continuer à grandir avant de partir dans le vaste monde. Je réalise maintenant à quel point c’est un grand luxe d’avoir autant de temps pour pratiquer.
La crise financière a changé notre métier et la manière de travailler des artistes et des ensembles, mais d’une certaine manière, cela a ouvert une toute nouvelle vision de ce qui est possible avec moins et quelles sont les priorités. Je trouve cela excitant. Artistiquement, les opportunités sont nombreuses. C’est excitant de voir à quel point les gens sont créatifs maintenant. De nombreux nouveaux projets ont vu le jour – de nouveaux orchestres et des gens qui font les choses différemment. Cette recherche d’innovation et de créativité est constante, ce qui est important.
Les gens viennent à l’Académie avec des idées fantastiques et ils trouvent l’aide ici pour les façonner en quelque chose de beau et qu’il est possible de faire connaître au monde entier. C’est excitant et cela ne peut arriver que parce que nous sommes entourés de gens fantastiques ici.
Cette interview a été publiée pour la première fois sur le site Web de la Royal Academy of Music en 2016
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