Sans aucun doute, la devise de notre studio est : Not About The Notes (#NATN). Contre cette petite voix à l’intérieur de moi, qui crie souvent “réparer-corriger-réparer”, je me rappelle de prendre du recul et de laisser les élèves s’approprier la musique. Et, j’essaie de me rappeler de le faire tout au long du processus d’apprentissage, pas seulement lorsque nous peaufinons quelque chose pour la performance. Certains d’entre nous aiment avoir une vue d’ensemble (la forêt) et revenir aux détails (les arbres). D’autres aiment avoir tous ces arbres en place avant même de penser à une forêt. Honnêtement, je ne trouve pas que cela importe tant que le but ultime de la pratique est toujours de laisser parler la musique.
L’enseignement en ligne et la nécessité d’envoyer des enregistrements réguliers pour lutter contre les décalages et les problèmes ont apporté de réels avantages NATN à mes étudiants. Cela les a forcés à être proactifs; pour se coacher et réparer les choses qu’ils n’aiment pas plutôt que d’attendre de voir ce que je dis lors d’une leçon. Cela m’a obligé à prendre du recul et à leur faire davantage confiance.
L’enregistrement vidéo et audio nous fait tous écouter de nouvelles façons qui aident à la fois la performance et la pratique. Cela devient évident lorsque tout tourne autour des notes au lieu de NATN. Il est également intéressant pour moi de constater à quel point j’entends différemment un enregistrement audio uniquement par rapport à un enregistrement vidéo. J’y ai pensé et j’ai réalisé que je ne regardais pas toujours un élève quand il jouait un morceau en personne non plus. Ce doit être une technique que j’ai acquise au fil des années et qui s’est imposée si naturellement que je ne sais même pas si je le fais.
La meilleure partie est que mes étudiants posent des questions NATN vraiment perspicaces pendant nos cours. Pouvons-nous d’abord travailler sur ce passage ? Je sais que ce n’est pas bien et j’entends que la musique devrait aller dans cette direction mais je n’arrive pas à comprendre pourquoi elle est si lourde et difficile à jouer. J’aime cela! Je les félicite d’un côté et de l’autre pour cela aussi. Souvent, c’est juste un problème de doigté. Parfois c’est un truc technique ou trop de beats forts qui raccrochent un passage.
La semaine dernière, un élève du secondaire et moi nous sommes entraînés à penser géographiquement et à trouver d’autres façons créatives de mettre en mémoire certains motifs d’accords embêtants. Hier, une étudiante adulte m’a envoyé un enregistrement audio et m’a dit qu’elle était fière d’elle de jouer et non de “taper la musique”. C’était absolument charmant et elle a même gardé l’ambiance musicale et le caractère quand elle a eu un petit dérapage – quelque chose qu’elle ne se serait jamais permis de faire auparavant. Elle est perfectionniste et veut toujours absolument tout corriger. Cette fois, elle a laissé tomber le faux pas et était fière de l’expérience musicale qu’elle a créée plutôt que de laisser le pourcentage de notes et de rythmes corrects définir son succès.
En écriture et en musique, il y aura toujours des erreurs, quelle que soit la qualité de votre correction ou de votre préparation. Nous sommes des humains pas des robots. Dans l’une de mes vidéos récentes, nous avons constaté que nous avions une faute de frappe et un endroit où une reprise n’avait pas été coupée. Nous avons dû le retirer et le rééditer. Au moins 4 personnes avaient regardé cette vidéo avant sa mise en ligne. Le problème, c’est que nous savions tous ce qu’il était censé dire et nous ne voyions donc pas ce qu’il y avait réellement. La correction automatique a également remplacé l’amélioration par l’improvisation. Soupir… Et j’utilise le mot soupir parce que ce blog est classé G.
Comme l’illustre la situation de montage vidéo, je suis souvent tellement impliqué dans un morceau de musique ou un projet que je ne perçois pas mes erreurs parce que je sais ce que je voulais dire ou faire. Mon professeur de premier cycle avait l’habitude de dire que j’avais besoin d’entendre ce qui sortait réellement du piano et pas seulement l’idéal dans ma tête. Lorsque je travaillais sur ma maîtrise, mon professeur m’a parlé d’un mib manquant dans l’une de mes pièces pendant environ 4 leçons d’affilée. Chaque semaine, j’allais à la salle de pratique et j’essayais de la trouver en vain. Il s’est un peu irrité à la leçon suivante et j’ai levé les mains en l’air et j’ai crié: «Qu’est-ce que Eb? Où?” Nous avons tous les deux ri hystériquement.
Bien sûr, la plupart d’entre nous détestent s’écouter ou du moins nous le faisons jusqu’à ce que nous réalisions à quel point nous progressons. C’est un peu comme se peser ou établir et respecter un budget – difficile de faire face à ce que vous ne voulez pas voir. Mais, comment pouvez-vous réparer ce qui est cassé et garder ce qui est bon ? Dans la plupart des cas, mes élèves résolvent les problèmes parce qu’ils ne veulent pas qu’ils gâchent la musique. Eh bien, ça et ils ne veulent pas de preuves tangibles d’une pratique paresseuse qui traîne.
Tout ce truc de forêt et d’arbres ? Il y a quelques semaines, un lycéen et moi avons commencé un nouveau répertoire. Nous avons passé la première partie de sa leçon en ligne à faire des comparaisons entre ; 1) l’utilisation de figurations en forme de trilles dans Gillocks’ Forest Murmurs, qu’elle terminait, contre le Coucou de Daquin, et 2) les images musicales et les histoires du Coucou contre le Dr Gradus de Debussy. J’ai envoyé des liens vers du grand art et de la musique des époques baroque et impressionniste française. C’était totalement cool de pouvoir l’aider à injecter une petite forêt, des arbres et un peu de NATN dans ses concepts de pièces dès le début – et de le faire à distance.