| Nibelheim |
Comme le cosmos biblique, celui de la Anneau
offre plus d’un mythe de la création, pas nécessairement entièrement cohérents les uns avec les autres. C’est là que réside le hic dramatique. La nouvelle production de Richard Jones Das Rheingold met en avant le deuxième mythe de la création avant le premier, le generatio æquivoca du Prélude, est entendu – du moins pour ceux qui sont assez mûrs pour ne pas simplement rire à tue-tête à la simple vue d’un homme nu. (Des spectateurs perturbateurs qui semblaient tout au long, sans justification évidente, croire qu’ils regardaient Continuez l’or du Rhin aurait peut-être mieux fait de s’en tenir à Donizetti, mais sans doute devrions-nous “respecter leurs choix”.) Ce que fait la figure primitive est la chose : il transporte du bois taillé dans un arbre à travers la scène, le bois diminuant de taille (et s’éloignant de la vie) en proportion des vêtements civilisés qu’il acquiert. Le frêne du monde et l’acte de violence écopolitique de Wotan à son encontre sont placés au centre de la scène, puis, mi bémol…
Une caractéristique de la mise en scène de Jones tout au long est en effet la clarté de sa narration. Là où la dernière mise en scène du Royal Opera de Keith Warner avait clairement des idées, dont beaucoup étaient extrêmement dignes sur le papier, le réalisateur avait du mal, semblait-il, à les amener à la clarté visuelle (à ne pas confondre, nécessairement, avec la simplicité) et beaucoup semblaient confus plutôt que complexes. Il n’y a peut-être pas beaucoup de complexité conceptuelle; ce ne sera pas, semble-t-il, un
Anneau cela change notre conception du travail. Mais il – le Or du Rhinde toute façon – est aussi bien formé que la direction de la partition par Martyn Brabbins, tous deux (à ma grande surprise) transformés hors de toute reconnaissance de la misérable excursion précédente pour Die Walküre. L’hédonisme amoral des filles du Rhin est évoqué par leurs vêtements et activités de fitness, un contraste cruel avec un Alberich clairement inapte. Le cyber-enfant doré qu’ils gardent – pas très bien – est l’Or du Rhin, état originel et potentiel de capitalisation imaginativement véhiculé. Et, comme partout, l’acte de violence dans son vol fournit un moment d’horreur dramatique. C’est simple plutôt que réactionnaire, mais à bien des égards, ce n’est pas pire que cela; il se compare certainement favorablement à l’inconséquence apathique du soap-opera de Valentin Schwarz à Bayreuth l’été dernier.
| Alberich (Leigh Melrose) |
Les objets, un aspect crucial et trop souvent négligé du drame de Wagner sont également bien traités. La lance, taillée à son tour dans le bois de frêne, apparaît proprement au centre de la scène. Ceux qui découvrent le drame verront que c’est important et seront aidés à comprendre pourquoi; les wagnériens plus expérimentés le relieront au reste de l’action et des idées qui leur sont propres. Le Tarnhelm et l’anneau, ainsi que le trésor plus généralement, sont également clairement représentés et, tout aussi important, leur rôle dans le drame est clairement délimité. La base essentielle de Nibelheim en tant qu’usine moderne est immédiatement apparente – une excellente conception sonore aide en amont, en apportant le son de ses enclumes immédiatement devant nos oreilles – et Alberich, transformé hors de toute reconnaissance en un horrifiant dictateur du capital moderne, brandit son “fouet capitaliste”. de la faim » (George Bernard Shaw) sur les parents de Nibelung avec un effet immédiat et clair. Ses transformations ultérieures, gracieuseté du Tarnhelm, illustrent à nouveau leur point de vue: premièrement, il est vraiment, comme il le dit, “partout”, ses formes se multipliant dans la surveillance et la punition (désolé, “incitation”); deuxième et troisième, les métamorphoses en dragon et crapaud sont traitées simplement et sans aucune des confusions habituelles. (Encore une fois, je ne peux pas imaginer pourquoi certains se sont mis à rire au ventre au moment de la capture d’Alberich. Étrange, au mieux.)
| Erda (Christine Rice), Erda (John Relyea) |
La scène finale offre un cumul dramatique puissant, bien soutenu par des Personenrégie. L’apparition d’Erda en pyjama, désireuse de reprendre son sommeil, le sable du temps giclant de ses mains, fait un certain nombre de points importants sans chichi ; il en va de même pour un autre point de violence, Wotan l’embrassant – et apparemment tout changer. Les écolières nornes présentes peuvent (ou non) le savoir. La profonde affection de Freia pour Fasolt, à la lumière de la sienne pour elle, est véritablement émouvante, notamment pour les performances profondément sympathiques de Katie Lowe et Simon Bailey. Que Freia, ainsi que Loge, souhaitent se dissocier de l’entrée de Valhalla est véritablement émouvant, tout comme le montage de l’or pour cacher sa forme dans le camion de déménagement des géants. L’éclairage arc-en-ciel évoque le pont de Froh avec un sens délicieux de l’esthétique qui n’est pourtant pas un spectacle pour lui-même. Lorsque des filles du Rhin furieuses et désespérées, entendues hors scène, reviennent sur scène pour exiger le retour de leur or, Wotan ferme les écoutilles de la forteresse. Les dés sont jetés, comme Loge, son sac fait, ne le sait que trop bien.
Loge est toujours un personnage bien placé pour voler la vedette. La représentation du vif-argent de Frederick Ballantine l’a certainement fait, en toute sécurité sur ce qui pourrait autrement être une corde raide entre la personnalité et les histoires d’aliénation politique. La clé de son succès, et de celui de nombreux autres membres de la distribution, était une diction limpide, permettant aux vérités de l’excellente nouvelle traduction chantée de John Deathridge de frapper avec force – la vérité que Wagner nous oblige à penser par nous-mêmes, son texte un tremplin plutôt que notre destination dramatique non des moindres. Wotan de John Relyea a capturé, dans une autre représentation étonnamment mature, tant de nuances et de contradictions dans la personnalité complexe et mondialement gagnante (peut-être) du dieu.
| Loge (Frédéric Ballentine), Alberich |
L’Alberich de Leigh Melrose était tout simplement envoûtant. Le passage d’un nain refoulé à un futur dictateur du monde devait beaucoup aux costumes et au maquillage, mais était finalement le sien. Nous avons sympathisé, mais pas trop ; l’envie érotique (liebesgelüste, minuscules de Wagner) Wagner noté dans le cas d’Alberich dans une lettre de 1851 était déjà une menace. Nous avons intimidé, avec les Nibelungen. Et nous avons ressenti, à travers son travail et celui de l’orchestre, le pouvoir inquiétant de la malédiction. En effet, chaque membre de la distribution a contribué à ce succès global. Fricka, exceptionnellement sympathique de Madeleine Shaw, Erda étonnamment profonde de Christine Rice, Fafner méprisant de James Creswell, parmi eux. Ce trio de filles du Rhin, par exemple, ornerait auditivement n’importe quelle maison.
Le noyau le plus profond du drame musical wagnérien réside, nous le savons tous, dans l’orchestre, son chœur grec. ENO ici aussi n’avait pas grand-chose à craindre de la plus auguste des comparaisons, non qu’on se sentît obligé de les tirer. Pour une vertu signalée de ce Or du Rhin était-ce que l’on sentait comment tous les aspects s’étaient réunis comme bien plus que la somme de leurs parties considérables; si la production avait été différente, le chant aurait été différent, et ainsi de suite. La direction collégiale, structurellement compréhensive – et communicative – de Brabbins se présentait avant tout comme un catalyseur de l’action dramatique et était bien vécue en tant que telle. Je ne peux qu’imaginer que les contributions orchestrales et chantées iront de mieux en mieux au cours de cette course.
| Donner (Blake Denson), Froh (Julian Hubbard), Wotan, Fricka (Madeleine Shaw) |
Quelle différence, alors, quinze mois font, et quel grand plaisir c’est de le rapporter. Quand ENO est nouveau Anneau
ouvert en novembre 2021, bizarrement avec son deuxième volet plutôt que son premier, ni la mise en scène ni la performance n’ont suscité beaucoup d’enthousiasme. Aujourd’hui, à une époque d’inquiétude existentielle pour l’avenir de l’entreprise, sa présentation de Das Rheingold
prouve à bien des égards un triomphe : une justification pour ceux qui combattent les atrocités philistines perpétrées par l’Arts Council – désolé ‘Arts Council England’ – et le ‘gouvernement’ qu’il sert trop facilement. Roulez sur l’Angleterre Götterdämmerungen plus d’un sens.